Книжный каталог

Русская живопись

Перейти в магазин

Сравнить цены

Описание

Восприятие живописи не может не быть субъективным, оно основано, прежде всего, на переживаниях и размышлениях каждого конкретного зрителя. Тем не менее, знание исторических обстоятельств создания картины, особенностей техники письма позволяет расширить возможности восприятия и приближает к более глубокому пониманию живописного искусства. Настоящее издание на русском и английском языках знакомит читателя с биографиями и наиболее характерными сторонами творчества более 60 русских художников XVIII-XX вв., самыми известными их работами, а множество цветных иллюстраций (в книге представлено около 2000 произведений живописи, хранящихся в крупнейших мировых музеях и частных собраниях) дает возможность оценить вклад этих мастеров в мировой художественный процесс. В основу книги положен хронологический принцип, что позволяет быстро найти сведения о любом художнике. Каждый раздел издания включает краткую характеристику художественного направления или хронологического периода, который представляют художники, что позволяет познакомиться с их творчеством в контексте времени и художественных тенденций. Все произведения живописи, представленные в книге, снабжены подробными подписями, которые содержат не только название картины, но и сведения о времени написания, размере, а также последнем месте хранения произведения. Настоящее издание является поистине незаменимым для всех, кто интересуется русской живописью XVIII-XX вв.

Сравнить Цены

Предложения интернет-магазинов
Наталья Майорова, Геннадий Скоков Русская живопись 1890-х годов Наталья Майорова, Геннадий Скоков Русская живопись 1890-х годов 440 р. ozon.ru В магазин >>
Русская живопись. История и шедевры (в футляре) Русская живопись. История и шедевры (в футляре) 20349 р. labirint.ru В магазин >>
Женский образ. Русская живопись Женский образ. Русская живопись 2987 р. bookvoed.ru В магазин >>
Астахов А. Русская живопись Астахов А. Русская живопись 8395 р. chitai-gorod.ru В магазин >>
Астахов А. (сост.) Русская живопись Астахов А. (сост.) Русская живопись 9555 р. chitai-gorod.ru В магазин >>
Русская провинция. Живопись и графика Русская провинция. Живопись и графика 3140 р. bookvoed.ru В магазин >>
Русская живопись. 1850-1860 Русская живопись. 1850-1860 2023 р. bookvoed.ru В магазин >>

Статьи, обзоры книги, новости

Русская живопись XVIII - начала XX вв

Русская живопись

Основой для комплектования коллекции русской живописи послужили поступления из Московского и Ленинградского отделений Государственного музейного фонда. С 1924 по 1928 гг. в Омск были переданы уникальные произведения, хранившиеся ранее в частных коллекциях известных собирателей Москвы и Петербурга. Ряд картин музей получил из запасников Третьяковской галереи, Эрмитажа и Русского музея, а также из омского Художественно-промышленного техникума им. М. А. Врубеля (Худпрома) в 1930-е гг.

В коллекции преобладает пейзаж. Академическое направление жанра представляют марины И. К. Айвазовского, видовые пейзажи М. Н. Воробьёва, В. П. Верещагина, К. Н. Филиппова, Е. Е. Мейера, А. Д. Жамета, Л. Ф. Лагорио. Демократическая традиция выдержана в произведениях И. И. Левитана, И. И. Шишкина, А. А. Киселёва, Н. Н. Дубовского. Довольно ярко пейзажи из омского собрания иллюстрируют деятельность объединения «Союз русских художников».

Исторический жанр представлен, главным образом, полотнами мастеров академической школы второй половины XIX в. – В. В. Верещагина, Т. А. Неффа, М. П. Боткина, М. О. Котарбинского, Г. И. Семирадского, А. А. Сведомского, С. В. Бакаловича, Н. А. Бруни, М. П. Клодта, К. Е. Маковского. В этом разделе следует выделить эскизы В. М. Васнецова «Ангелы» для православного собора в Варшаве и «Снятие с креста» для мозаики храма Воскресения в Петербурге.

Полотна мастеров демократического направления второй половины XIX в. Г. Г. Мясоедова, Н. Е. Сверчкова, Н. А. Ярошенко, В. Д. Поленова обогащают собрание, раскрывая важные этапы развития отечественного искусства.

Портретный жанр представлен работами кисти неизвестных художников XVIII в. и рядом произведений середины и второй половины XIX в. (К. Ф. Рейхель, К. К. Каневский, В. Е. Маковский, А. Н. Крамской). Ведущее место в коллекции занимает «Портрет Леонида Андреева» кисти И. Е. Репина.

Значимую часть коллекции русской живописи составляют произведения художников, примыкавших к новым течениям изобразительного искусства рубежа XIX–ХХ вв. В этом ряду следует отметить, прежде всего, три монументально-декоративных панно М. А. Врубеля «Розы и лилии», «Хризантемы», «Жёлтые розы».

Единственный из сибирских художественных сокровищниц, только омский музей имеет живописные произведения выдающегося мастера. Художественные искания времени отражают работы В. А. Серова, В. Э. Борисова-Мусатова, К. А. Коровина, Н. К. Рериха, В. И. Денисова, В. М. Ходасевича, Д. Д. Бурлюка. С объединением «Бубновый валет» знакомят работы П. П. Кончаловского, И. И. Машкова, А. В. Лентулова, П. В. Кузнецова, А. В. Куприна. Особую ценность в блоке авангардного искусства являют собой работы В. В. Кандинского, Н. С. Гончаровой, М. Ф. Ларионова. Уникальный раздел коллекции – девять произведений крупнейшего художника ХХ в. А. Г. Явленского.

«Фотогалерея»
  • Главная
  • Коллекции
  • Контакты
  • Друзья музея
  • Посетителям
    • Выставки
    • Экскурсии и лекции
    • Музей педагогам
    • Концерты Врубелевской сцены
    • Спектакли Театра живописи
    • Студии Центра творчества
    • Корпоративные мероприятия
    • Антикварный салон
    • Сувенирная продукция
    • Дополнительные услуги
  • О музее
    • История музея
    • Архив новостей
    • Научная жизнь
    • Библиотека музея
    • Структура музея
    • Издания музея

© Омский областной музей изобразительных искусств имени М.А. Врубеля. 2012 г.

Источник:

vrubel.ru

Русская живопись

ДЭИТ Дайджесты про экономику, инвестиции, технологии и про то, что это окружает Истоки русской живописи

Началом истории русской живописи принято считать эпоху принятия христианства – конец Х века. С идеологией христианства на Руси распространяются традиции византийского живописного искусства, которые останутся главенствующими вплоть до XV века. Мусийные изображения (мусийный – выполненный на красильном дереве) делают сначала приезжие мастера из Греции, у которых обучаются русские талантливые юноши. Один из них – преподобный Алимпий Печерский, первый русский иконописец.

Строгий надзор церковных властей, разрешающих лишь копировать греческие образцы и пресекающих любые попытки отступления от канона, надолго тормозит развитие живописного искусства. До XV века существует единственная школа живописи – корсунская (греческая). Но в XV веке ситуация изменяется в связи с распространением европейских печатных книг, украшенных политипажами и гравюрами. К этому периоду относится творчество Андрея Рублёва, представителя византийской школы, автора росписей московского Благовещенского собора, соборов Троице-Сергиевой лавры и др.

В XVII веке отставание русской иконописной школы становится очевидным даже для церковных властей. Государь Алексей Михайлович для росписи дворцовых палат приглашает западных мастеров, способных писать с натуры – такое умение абсолютно отсутствовало в отечественной школе. Симон Ушаков, царский иконописец, пытается соединить византийскую и европейскую техники и создаёт новый иконописный стиль – фряжский.

XVII век. Начало развития светской живописи

С XVII века на Руси начинает развиваться и светская живопись, особенно решительно – в период царствования Петра Первого. В Италии и Голландии обучаются западной манере письма Матвеев, Захаров, братья Никитины, при Академии наук открывают гравёрный и рисовальный классы.

Мода, стремление к роскоши становятся причиной высокого спроса на живопись во времена Елизаветы Петровны. Но спросом пользуются работы иноземных художников – русские живописцы значительно отстают в мастерстве.

В 1757 году в Санкт-Петербурге была основана Академия Художеств с 5-ю отделениями: живописи, скульптуры и ваяния, гравирования, медальерного искусства (изготовления монет и медалей), архитектуры. Принимали в неё лиц всех сословий и даже женщин (с согласия отца или мужа) – такова была потребность в отечественных талантах. Однако французское руководство учением на долгое время определяет главные виды живописи – историческую и героическую пейзажную в стиле Пуссенов и Клода Лоррена, что стало причиной однообразия и высокой условности изображений.

Но развитие, пусть медленно, идёт. В портретах лучших художников той поры Левицкого, Боровиковского, Рокотова, Кипренского всё явственнее правдивость натуры. Д. Г. Левицкий становится самым модным портретистом времён Екатерины II. Его парадные, очень красивые работы пользуются огромным спросом а аристократической среде, характеристический пример манеры Левицкого – ростовой портрет Екатерины II. Орест Кипренский причислен к лучшим русским портретистам. Его лучшими работами являются портрет Тордвальсена, картины «Сибилла Тибуртинская», «Девочка с плодами» и др.

Очень долго, до первой половины XIX века, русская живопись оставалась преимущественно подражательной. Живописцы копировали техники и сюжеты французских, итальянских (болонских) мастеров. Причиной были академическое образование и светский запрос, прививавшее, подобно церковным властям, идеи подражательности.

Первыми художниками, сделавшими шаг к самостоятельности и живости изображения, стали Басин, Варнек, Бруни. Однако принципиальный отрыв от традиции классицизма совершает Карл Брюллов, написавший «Последний день Помпеи». Брюллову удалось разбудить в обществе интерес к живому искусству, а его романтическая манера письма стала предвестником русского реализма.

XIX век. Становление национальной живописи

Вторая половина XIX века характеризуется неизменным ростом любви и простого интереса к искусству. Проводится множество выставок. Появляются богатые ценители, скупающие полотна и составляющие частные галереи. Возникают частные рисовальные школы.

В 1825 году в открытом доступе в Эрмитаже организуют отделение русской живописи. Разрыв с подражательной академичностью выражается в обращении к обыденной и крестьянской жизни, сюжетам простой реальности. И пусть в картинах Венецианова скорее поиск красоты, чем глубина мысли, они имеют огромное значение для становления русской реалистической школы.

В 1863 году группа художников во главе с Крамским, осуждая политику Академии художеств, выходят из её состава, а в 1872 году они составляют «товарищество передвижных выставок», в будущем – центр национальной русской живописной школы. С течением времени к ним примыкают самые талантливые и оригинальные художники.

В эти годы появляется Третьяковская галерея, множество музеев не только в обеих столицах, но и в провинциальных городах. Главенствующим направлением становится социально-тенденциозное, призванное изображать воздействуя, борясь, обличая и проповедуя. Идеями литературы и общественной мысли вдохновлены картины Перова, Пукирева, Прянишникова, Корзухина, Савицкого, Мясоедова, Клодта.

Менее дидактичны, более живописны полотна В. Маковского, И. Репина, создавшего исключительно правдивые типы современной ему жизни.

Параллельно жанровой живописи развивается еще одно мощнейшее направление письма – пейзаж. Своего непревзойдённого русского певца обрело море: марины Айвазовского полны жизненной энергетики и мощи. Наивысшей точки реалистичности достигают русские пейзажи Шишкина, за что некоторые отказывают им в принадлежности к искусству живописи: искусство должно воплощать, по их мнению, идею, а не быть хоть мастерским, но всё же копированием натуры. Зато портретисты – Перов, Маковский, Серов – с особенной энергичностью стремятся раскрыть в своих полотнах внутреннее Я «предмета изображения».

Расцвета достигает историческая живопись в творчестве Ге, Мясоедова, Сурикова, Перова. Новая психологичность и реалистичность помогают баталисту Верещагину проповедовать мир, изображая неприкрытую и неприукрашенную правду войны.

Время перемен

Конец XIX – начало ХХ века – время революционных перемен и ожидания возрождения России. В этот период появляются знаменитые «Богатыри» Васнецова и «Запорожцы» Репина, «Переход Суворова через Альпы» Сурикова. Картины выражают патриотические идеи народного величия и сокровенную мысль о его возрождении.

Но не только обращение к великим страницам истории характерно для времени больших перемен. Младшие передвижники – С. Коровин, С. Иванов, Н. Касаткин и другие – обращаются к жизни глухой российской деревни, создавая остро-социальные, революционные в своей правдивости полотна.

Революции – 1905 и 1917 годов – вдохновили и по-особому воодушевили художников. Появляется всё больше графических работ, сатирических журналов, на картинах – стачки, митинги (С. Иванов, Н. Касаткин). Однако в эти же годы появляется другое – упадническое – направление, декаданс, созвучное литературным течениям подобного толка. Его влияние наложило отпечаток на полотна М. А. Врубеля и других живописцев, наполнив их глубочайшей тоской и подчас безнадежностью.

Лирический декаданс, «смягчённый», воплощен в творчестве А. Рябушкина, Б. Кустодиева, М. Нестерова, В. Борисова-Мусатова. Пробуждение интереса к натюрморту тоже связано с новой эстетикой искусства: каждая вещь как символ иного, идеального мира, знак. Натюрморт теперь связан с миром, его выносят на природу (И. Грабарь).

Русский авангард

Авангардизм первой половины ХХ века представлен множеством течений. В стиле футуризма (кубофутуризма) творили братья Бурлюки, Экстер, Богомазов, Малевич. Пафосом свободного восприятия мира наполнены работы экспрессионистов (В. Кандинский). Неоимпрессионизм, поздний символизм, неопримитивизм, беспредметность, неоклассицизм – всё это названия не столько оформившихся течений, сколько путей поиска нового, иногда ведущих в тупик.

Становление социалистического реализма

После революции поиск продолжается. Но проявления индивидуальности в нём всё меньше, превалирующей становится идеологическая основа произведений. Поэтому стремительно развивается искусство плаката (Д. Моор, В. Дени), монументальных панно (Петров-Водкин, Кустодиев), станковая живопись тяготеет к монументально значимым образам и формам (Б. Иогансон «Допрос коммунистов»).

Названия картин – «Колхозный праздник» Пластова, «Будущие лётчики» Дейнеки, «Новая Москва» Ю. Пименова и подобные – сами говорят о предметной и идейной содержательности живописи 30-х годов.

Великая Отечественная война мобилизовала силы художников для агитационной работы. Плакат, графика (Л. Сойфертис, А. Пахомов), живопись («Окраина Москвы. Ноябрь 1941 года» Дейнеки) должны были вдохновлять на борьбу и поддерживать дух народа и бойца.

Искусство периода послевоенного развития социалистического общества наполнено пафосом воспевания героического труда и Великой Победы. Потому особенно популярен историко-революционный жанр (Соколов, В. Серов,Г. Мелихов). Однако и мирный труд находит своих певцов (Т. Яблонская, Пластов).

Искусство 60-80-х годов

Искусство 60-80-х начинает поиск «путей освобождения». Возникает так называемый суровый стиль живописи (братья Смолины), сочетающий истинный героизм и романтизм в пику жиреющему мещанству (картины «Полярники» Смолиных, «Геологи» П. Никонова, «Плотогоны» Н. Андронова).

Однако существовало и неофициальное искусство СССР, андерграунд. Другая живопись была тесно связана с неформальными движениями, выступающими против засилья идеологии (хиппи, концептуалисты, Товарищество Экспериментального Изобразительного Искусства и др.).

Художники, не желавшие творить в рамках в рамках соцреализма, автоматически становились вне системы и поддержки государства. Более того: им запрещено было выставлять работы и пропагандировать своё искусство.

Одной из первых попыток выйти из подполья стала «Бульдозерная выставка» 1974 г.. До этого случались попытки некоторых художников устроить собственные выставки, но экспозиции моментально закрывались: выставка Олега Целкова в Доме архитектора продержалась 15 минут, Эдуарда Зюзина (кафе «Аэлита») – 3 часа.

В 1974 году давление властей на неофициальное искусство возросло. Ответом стала выставка в Битцевском лесопарке в Беляево. В ней приняли участие 13 художников, среди которых О. Рабин – лидер нонконформизма, его сын – А. Рабин, Б. Штейнберг (в дальнейшем работает под псевдонимом Борух), Лидия Мастеркова (уехала после разгрома выставки во Францию, где и похоронена), Ю. Жарких (один из создателей Товарищества экспериментальных выставок, эмигрировал в Германию, затем во Францию) и другие.

Бульдозерная выставка получила такое название за способ, каким была прекращена: на место были высланы самосвалы, 3 бульдозера и водомёты. Милиционеры арестовывали участников, картины конфисковывали или просто сгребали техникой.

Однако результатом стало некоторое послабление властей, разрешивших авангардистам объединиться при Московском горкоме графиков в секцию живописи – так за ними легче было следить. «На Малой Грузинке» выставляли свои работы О. Кандауров, Д. Плавинский, О. Рабин, В. Немухин и другие. За билетами в выставочный зал люди отстаивали огромные очереди, словно за дефицитным товаром. Самой известной из неформальных групп стала «Двадцатка» (В. Глухов, В. Линицкий, К. Нагапетян, В. Петров-Гладкий, С. Блезе, Д. Гордеев и др.) – их работы покупались в основном зарубежными и отечественными дипломатами, потому многое из живописного достояния современного искусства России находится в зарубежных коллекциях и музеях.

Другие интересные статьи: 2 Responses to Русская живопись. Краткий исторический очерк

Он возможно собрать комиссию по охране труда, и так, например когда она воткнет вилку от ламы в розетку, ее уволить за нарушение техники безопасности.

Изрядно глубокий урок и позитивный,,воздушно ежели вам данное должно,учите данное тренировка нашего мозга…?

Добавить комментарий Отменить ответ
  • Где купить качественный и надежный инструмент by Илья Гайдук - No Comment
  • На те же грабли или ошибки начинающего Forex-трейдера by Илья Гайдук - No Comment
  • Обучение 1С — самостоятельное или дистанционное обучение by Илья Гайдук - No Comment
  • От чего зависит стоимость памятника? by Илья Гайдук - No Comment
  • Покупка 3-комнатных квартир в Луганске by Илья Гайдук - No Comment
  • Результативный обмен валют онлайн обеспечит получение положительного финансового результата by Илья Гайдук - No Comment
  • Рисование карандашом. С чего начать. by Марина Каурова - 12 Comments
  • Самый мощный автомат by Илья Гайдук - 12 Comments
  • Суть проблемы загрязнения природы by Илья Гайдук - 12 Comments
  • Как составить коммерческое предложение by Илья Гайдук - 5 Comments
  • Андрей: Форекс тренд
  • : Рисование карандашом. С чего начать.
  • Просветитель: Дом — на погрузчик или Как перевозят дома
  • Анжелика: Поющая свадьба
Популярное: Подписаться на рассылку О журнале

Электронный журнал "ДЭИТ интересные записи" является информационным продуктом широкой тематики. Мы стараемся писать интересные и увлекательные статьи на разные темы. Нам интересно все, что происходит в России и других странах,мы выбираем интересные факты о Дизайне, Архитектуре, IT и многом другом.

Мы всегда рады новым комментариям к публикациям и готовы рассмотреть Ваши предложения.

Надеемся, что наши статьи окажут положительное влияние на Ваше мировоззрение и будут всегда интересны всем читателям журнала.

Источник:

deit.name

Русская живопись

Русская живопись

Русская живопись — история развития русского светского изобразительного искусства начиная с XVII века.

Содержание XVII век

Древнерусскому искусству XVII века свойство «обмирщение», разрушение иконописных, иконографических канонов. Переоценка ценностей, происходившая во всех сферах русской культуры. этого периода, способствовало появлению нового взгляда на мир. Появилось желание отображения повседневной жизни, красоты природы, реального человека. Увеличивается тематика изображений: растет количество светских (исторических) сюжетов, в качестве образцов используются западные гравюры. Искусство постепенно освобождается от власти иконографических канонов [1] .

Именно в живописи, из других видов искусств, сильнее всего отражаются искания, споры этого века, в котором интенсифицируется процесс общественного развития России. «Сложившаяся в течение веков изобразительная система претерпевает изменения: произведения искусства теряют внутреннюю цельность, в них все более проявляются черты эклектики» [1] . В начале XVII века господствуют два художественных направления — архаизирующий «годуновский стиль» и изощренная, миниатюристская строгановская школа. Элементы своеобразного реализма, которые можно наблюдать в строгановской школе, получили развитие в творчестве наиболее значимых мастеров-станковистов этого века — царских изографов Оружейной палаты. Их глава Симон Ушаков сочинил в 1667 году «Слово к люботщателям иконного писания», в котором изложил свои взгляды на задачи живописи, по существу ведущие к разрыву с иконописной традицией предыдущей эпохи. В своих иконах он разрушает плоскость, делает глубину перспективы ощутимой, слишком выявляет телесную объемность в фигурах, аксессуары слишком «реалистичными». Наиболее удачны его работы, где главную роль играет человеческое лицо, в особенности иконы типа «Спас Нерукотворный». «Крупный масштаб лика Христа позволял мастеру продемонстрировать великолепное владение техникой светотеневой моделировки, прекрасное знание анатомии (Ушаков намеревался издать анатомический атлас для художников), умение максимально близко к натуре передать шелковистость волос и бороды, пушистую сень ресниц, матовый блеск белков глаз, красноватую сетку прожилок» [1] .

Вероятно, самый выдающийся стенописец этого столетия — Гурий Никитин. Фрески XVII века необычайно декоративны, узорчаты, они потеряли тектонику и соотнесение с архитектурными поверхностями. Характерная черта фресковой живописи 2-й половины XVII века — «бытовизм», интерес к человеку в его повседневной живописи. В них нет пафоса или лиризма, а присутствует занимательная притча, в которой все интересно, все вызывает любопытство. Это ведет к смещению акцентов — внимание фиксируется не на библейских героях, а на красоте природы, труда, повседневности. Так, изображение жатвы в сцене «Воскрешения сына сонамитянки» (Церковь Ильи Пророка (Ярославль)) — уже настоящий русский пейзаж и настоящая жанровая сцена [1] .

Человек в росписях XVII века — обычно деятелен, мечется, жестикулирует, работает; никакой погруженности в себя, неподвижной созерцательности. Сцены до предела многолюдные, полны деталей, третьестепенных персонажей, шума. «Мастера фресковой живописи XVII века вышли на новые рубежи в видении и изображении мира. Они постепенно начинают высвобождаться из плена иконописных канонов, становятся настоящими творцами художественных композиций, и значение этого факта для становления русского искусства нового времени трудно переоценить» [1] .

Мастера фрески этого периода — костромичи Гурий Никитин, Сила Савин, переяславец Дмитрий Плеханов, ярославцы Дмитрий Григорьев, Фёдор Игнатьев и другие. Большинство шедевров фрески этого времени сосредоточено в купеческих поволжских городах, в первую очередь — в Ярославле [1] .

Ярче всего черты, которые будут присущи будущему русскому искусству, из произведений XVII века проявились в искусстве парсуны. Жанр, возникший ещё в последней четверти XVI века, применяет иконописные художественные приемы для воссоздания реалистичной внешности портретируемого. Предназначались парсуны для надгробных иконостасов. В числе наиболее известных — «Парсуна Скопина-Шуйского» (ок. 1630) [1] .

Искусство XVIII века 1-я половина XVIII века Общая характеристика

Это новый период развития русской культуры: возникновение светского искусства благодаря реформам Петра Великого, перенимание западного опыта [2] .

Процесс перенимания, освоения и переработки европейского опыта шел несколькими путями:

  • приобретение заграницей готовых произведений
  • привлечение иностранных специалистов для работы в России и для преподавания русским ученикам
  • посылка русских студентов за государственный счет на обучение заграницу (пенсионеры) [2]

Искусство этого периода, придя на смену средневековью, стало первым звеном в культуре нового времени — качественно иной. Этот перелом отражает общеевропейский процесс перехода от средневекового искусства к новому, однако специфика русского исторического развития такова, что здесь он произошел на 200—300 лет позднее Италии или Франции, и происходил под большим влиянием этих стран [2] .

Это русское «ученичество» — творческий процесс формирования нового метода художественного творчества. Оно складывалось из:

  • творческие поиски и сдвиги канона, произошедшие в древнерусском искусстве XVII века (см. выше)
  • деятельность приглашенных европейских мастеров (россика)
  • трактаты и увражи (гравированные чертежи), которые создавались в Европе со времен Ренессанса и закрепляли опыт искусства нового времени [2] .

То, что Россия совершила этот переход так поздно, повлияло на ряд специфических особенностей её художественного развития. За полвека ему пришлось, ценой огромного напряжения, пройти путь, который другие страны проделали за два-три века. Эта скорость породила ряд сюрпризов, например, параллельное существование нескольких стилей, которые в Европе шли последовательно. Характерными для эпохи были необычные художественные ситуации — преждевременное появление элементов культуры, для восприятия которых ещё не было условий. С середины XVIII века, когда принципы нового искусства окончательно победили, и всюду распространилось барокко, течение русского искусства приобретает более обычный характер. Вслед за периодом развитого барокко (1740—1750-е годы) и кратким, слабо выраженным периодом рококо (рубеж 1750—1760-х годов), наступает классицизм, который будет господствовать до 1830-х [2] .

«Первая четверть XVIII века сыграла особую роль в художественном развитии России. Искусство занимает принципиально новое место в жизни общества, оно становится светским и общегосударственным делом. Происходит распад старой системы художественной жизни и формирование нового единства. Этот путь отмечен существенными сдвигами, которые неизбежны при крутой ломке старого творческого метода. Зарождаются новые взаимоотношения между заказчиком и художником, причем осведомленность последнего о том, как должно выглядеть современное произведение, часто делает его роль определяющей. Новое искусство не всегда встречается доброжелательно и потому требует широкой государственной поддержки и разъяснения. Воспитательная функция искусства в прямом и более отвлеченно смысле этого слова чрезвычайно возрастает» [2] . Разрушается прежнее представление о красоте и воплощающих её формах. Поскольку «грамотность» воспринимается как априорный залог качества (порой ошибочно), появляются более новаторские по методу, но довольно слабые в художественном отношении работы иностранных художников [2] .

Поскольку искусство ещё оставалось «неустановившимся», налицо большая разница в манерах, стилевых приемах и типологических схемах. В художественную практику потоком вливаются новые идеи и образы, жанры и сюжеты, иконографические образцы. Не существовало строгого отбора, которому подвергалось иностранное вмешательство, хотя его старались все-таки корректировать, исходя из внутренних потребностей страны и вкусов. В итоге случайное и преждевременное, не отвечавшее национальным потребностям отбрасывалось [2] . «Этот нелегкий, но глубоко прогрессивный процесс выводил русское искусство на широкую дорогу общеевропейских мыслей и форм, нёс отказ от средневековой замкнутости, косности религиозного мировоззрения, был большим государственным делом. Средствами эпохи Просвещения, которой принадлежит XVIII столетие, русское искусство выполнило функцию, которую обычно берет на себя Возрождение» [2] .

Постепенно растет новое поколение русских художников-пенсионеров, которые в основном работают в Петербурге — связующем звене между Россией и Западом. Москва же выполняет роль такого звена между Петербургом и провинцией; московская школа складывается из старых мастеров и молодых художников, не прошедших ученичества нового типа. Она также идет по новому пути, но медленнее и с большим отпечатком традиционного метода. Провинция в 1-й четверти века испытывает весьма слабое влияние новшеств, часто продолжая древнерусские формы, тем более, что в регионы перебираются «старомодные» иконописцы из Москвы [2] .

Живопись 1-й половины XVIII века

Живопись претерпевает огромные изменения, складывается станковая картина с её смысловыми и композиционными особенностями. Вместо обратной перспективы иконописи приходит прямая перспектива и связанная с ней передача глубины пространства. Человеческие фигуры начинают изображать согласно верным принципам анатомии; совершенно новая задача — изображение обнажённого тела. Появляются новые средства передачи объёма, художники используют светотень вместо условно символического контура. Техника масляной живописи постепенно вытесняет темперную. Обостряется чувство фактуры — художники научаются изображать мех, бархат и т. п. Если картина сюжетная, то в ней заметны новые принципы взаимосвязи фигур [3] .

Разветвленной становится сама система живописи: появляются совершенно разные виды станковых произведений, монументальная роспись (панно и плафоны), миниатюры. Жанр портрета теперь включает все известные разновидности: парадный, камерный (обычный и костюмированный), двойной, парный (см. Портрет петровского времени). Появляются аллегорические, мифологические и религиозные сюжеты. «Наличие этих особенностей, хотя и выявляющихся на первых порах в компромиссной форме, позволяет говорить о возникновении живописи нового типа» [3] .

Парсуна петровского времени

Первые шаги становления жанра портрета связаны с мастерами Оружейной палаты. Выполненные русскими и иностранными мастерами портреты ещё тяготеют к парсуне. «Из всех типологических вариантов парсуна отдает предпочтение парадному портрету и встречается в этом качестве в нескольких разновидностях. Среди них „портрет-тезис“ — наиболее архаический. Он сочетает в пределах условного иконного пространства портретные изображения и многочисленные разъясняющие надписи. Можно говорить и о «портрете-апофеозе» [3] . (таковы портреты-картины, изображающие ратные подвиги Петра Великого). Распространены обычные портреты Петра и его сподвижников в рост и на коне. Пространство в таких картинах трактуется стереотипно, а предметы располагаются в нём больше как его символы, чем как реальные пространственные отношения. Также условно взаимоотношение внутреннего и внешнего пространства. Любопытно, что парсуна отходит от колористического изобилия XVII века, однако скрупулезная передача орнамента и деталей костюма сохраняется, придавая полотнам повышенное декоративное звучание [3] .

Мастера ещё не владеют новыми принципами передачи объёма. Они соединяют нарочито выпуклые, реалистически объемные лица и по-иконописному плоскостные узорчатые одеяния. «Большие размеры холстов, их импозантный дух, богатство обстановки и выставленных напоказ драгоценностей призваны иллюстрировать социальную значимость изображенного. Образ автономен, он сосредоточен на себе и безразличен к окружающему». Живопись ещё не дозрела до передачи индивидуальности, но все-таки старается передать черты модели по-своему. С этим вступает в противоречие тенденция к созданию символически обобщенного образа. Общее и индивидуальное пока ещё не слито в органическое единства, и конкретные черты еле-еле проступают под типизирующей «маской» [3] .

Линия парсуны (1680—1690-е гг.) затем сталкивается с сильным потоком произведений иностранцев и пенсионеров, который почти полностью вытесняет её. Однако при этом она продолжает существовать, и её черты проявляются в творчестве и передовых художников эпохи (Никитин, Вишняков, Антропов), как свидетельство незавершенного перехода от средневековой к новой манере. Следы парсунности встречаются и во 2-й половине XVIII века, особенно в работах крепостных и провинциальных мастеров, самоучек. Это явление имеет аналоги в Украине, Польше (сарматский портрет), Болгарии, Югославии, странах Ближнего Востока [3] .

Иван Никитин

Иван Никитин — основатель новой русской живописи. Его биография типична для поколения: работать начал в Москве, по произведениям этого периода («Царевна Наталья Алексеевна», «Цесаревна Анна Петровна») видно, что Никитин уже хорошо знаком с европейской системой композицией, вдумчиво относится к моделям, однако фигуры ещё скованы, и в живописи видны следы старых приемов. Затем он отправляется в пенсионерскую поездку в Италию, по возвращению оттуда создает зрелые работы вполне в современной системе живописи. Ему не свойственны поверхностные ухищрения, стремление к «грациозности», он стремится к серьезности, заботится о содержании, целиком сосредотачивается на выявлении лиц. Поэтому его портреты близки по размерам, формату, позе, гамме. В своих портретах Петра Великого (круглом), канцлера Головкина и напольного гетмана он далеко опережает современников, работавших в России. «Его портреты обнаруживают глубину проникновения в характер — черту, которая станет доступной школе в целом лишь во второй половине столетия. В этом опережении, вообще характерном для бурного петровского времени, одаренность художника сказывается особенно ярко» [3] . Влияние его на русскую живопись могло бы оказаться сильнее, но при Анне Иоанновне он был арестован, заключен в Петропавловскую крепость, был в ссылке и умер на пути оттуда.

И. Никитин. «Царевна Наталья Алексеевна»

И. Никитин. «Царевна Анна Петровна»

И. Никитин. «Портрет Петра Великого»

И. Никитин. «Портрет напольного гетмана»

Андрей Матвеев

Другой крупный мастер этой эпохи — Андрей Матвеев. Он был послан учиться в Голландию, и вернулся уже после смерти Петра Великого, заняв важное место в искусстве 1730-х годов. Среди его произведений — «Венера и Амур» и «Аллегория живописи», свидетельство трудного для русского искусства освоения незнакомого мифологического сюжета, сложных композиционных схем и изображения обнажённого тела. Этим маленьким полотнам присуще картинное начало, которое есть и в «Автопортрете с женой» (1729) — целой композиции на фоне колонны и пейзажа, со взаимодействием персонажей, мягким колоритом. «Важно и другое: тонкое интимное чувство впервые открыто и вместе с тем целомудренно представлено на обозрение. Здесь проявился существенный сдвиг в художественном сознании, завоевание качества, принципиально нового для русской живописи» [3] . Также хороши парные портреты И. Голицына и его жены (1728), где в отличие от Никитина, он стремится к большей остроте и откровенности к передаче индивидуального.

А. Матвеев. «Венера и Амур» (1726?)

А. Матвеев. «Аллегория живописи» (1725)

А. Матвеев. Портрет И. Голицына (1728)

А. Матвеев. Портрет А.П. Голицыной

Живопись середины XVIII века

Для середины столетия, в целом, характерен более ровный процесс художественного развития — без резких перепадов, опережений и отставаний предыдущего периода. Оно существует в принципиально-едином барочно-рокайльном русле, но однако, это не делает его обезличенно однородным — несколько потоков и тенденций явно различимы [4] :

  • Произведения русских мастеров
  • Произведения иностранных мастеров, работавших в России (россика)

Русские мастера, как правило, становились художниками, пройдя через мастерские Канцелярии от строений (Вишняков, Антропов и другие). Этих мастеров загружали декоративными работами, однако они находили время и для создания портретов. «Их представление о натуре заметно окрашено традиционностью» [4] . Они создают портреты для триумфальных ворот и других целей, при этом приноравливая европейские схемы для своих задач. В процесс они самостоятельно и будто заново открывают для русского искусства портретную живопись. «Они совершают своего рода самостоятельный переход к искусству Нового времени, хронологически запоздавший по сравнению со стремительными темпами Никитина и Матвеева. Во многом уступая этим мастерам по степени близости к европейским образцам, художники середины XVIII века интересны сохранением традиционных представлений о красоте, соединяемых теперь, как и в архитектуре, с „грамотностью“ Нового времени» [4] .

Иван Вишняков

Вишняков занимает особое место в этой среде. Он воспринял нормы парадного портрета внимательно, но они приобрели у него несколько напряженную, но при этом изысканно изящную интерпретацию. В портретах детей Фермор, мальчика Голицына их застенчивость, непривычка к позированию органично сочетаются с деликатной манерой автора. «Отсюда проистекает смесь ломкой грации с неизбежной, но забавной выспренностью» [4] . Вишняков пишет портреты-картины с торжественной постановкой фигур, интерьерным или пейзажным фоном, который при этом остается условной средой, хоть и окрашенной особым настроением.

И. Вишняков. Портрет Виллима Фермора (1749—1759)

И. Вишняков. Портрет Ф. Голицына. (Ок. 1760)

И. Вишняков. Портрет императрицы Елизаветы (1743)

И. Вишняков. Портрет неизвестного (1750)

Алексей Антропов

Антропов — наиболее яркий выразитель национального варианта барокко, образцовый художник середины XVIII века. Как и Вишняков, в основном он занимался заказами Канцелярии от строений и иконописными заказами, но в историю вошел портретами. Он писал парадные портреты (Петр III, архиепископ Сильвестр Кулебяка и др.), но особенно ценны его камерные портреты. Небольшие по размеру, «они характеризуются довольно однообразной грузноватой „посадкой“ фигуры, которой словно тесно в отведенном пространстве» [4] (А. М. Измайлова, М. А. Румянцева). «Типичны и овальные лица, нередко написанные, в отличие от от фигуры, почти стереоскопично и воспринимающиеся как выпуклая, точно надутая изнутри форма, что перекликается с приемами иконописания, с характерным для него контрастом объемного „личного“ и плоскостного изощренно узорчатого „доличного“ письма» [4] (атаман Краснощеков). «Благодаря жестковатой обводке теней, лица иногда вызывают ассоциацию с деревянной русской пластикой, с её тщательно отшлифованной и до иллюзорности ровно окрашенной поверхностью» [4] . Его манера темпераментна, кисть уверена, цвета — яркие локальные, заметна вещественность и подчеркнутая декоративность, но при этом он тщательно выписывает физиогномические особенности. Эта тщательность хороша, когда надо писать стариков (чета Бутурлиных), но мешает ему при изображении молодых женщин (Т. А. Трубецкая), поскольку в живописи того времени господствует тенденция к нивелировке частных особенностей. В его творчестве переплетаются серьезность, прямолинейность со стремлением к галантности и приятной задумчивости [4] .

А. Антропов. Петр III

А. Антропов. Т.А. Трубецкая

А. Антропов. М.А. Румянцева

А. Антропов. Д.И. Бутурлин

Иван Аргунов

Аргунов был крепостным, и это влияло на его творчество: воля заказчика часто преобладала над его желаниями. При этом, в отличие от Антропова, он оказался непричастным к иконной и парсунной традиции — у него была другая школа и другие образцы (старая и современная европейская живопись стиля рококо, работы придворного мастера Гроота, у которого Аргунов был учеником). Кроме того, он прожил длинную жизнь, и найдя своё место в искусстве 2-й половины века, «он воплотил живую преемственность очень важных принципов русской живописи» [4] .

В основном он писал распространенные в середине века «полупарадные» камерные портреты в поколенно срезе («И. И. Лобанов-Ростовский»). Многие его модели — семейство его владельцев Шереметевых и их предки (так появляются «исторические (ретроспективные) портреты»). Интересны его портреты людей своего социального слоя (супруги Хрипуновы, т. н. автопортрет и парный портрет жены, портреты архитектора Ветошникова и его жены), в них он выходит за рамки безразличия к окружающему и замкнутости в себе — в новое качество интимного портрета. «Этому ещё мешают типично барочное понимание живописи как украшения, пристрастие к яркому переливчатому цвету, орнаментальность, обилие аксессуаров и других „антуражных“ элементов» [4] . В работах все-таки видно заинтересованное доверие и приглашение к соучастию, что найдет развитие во 2-й половине века. «Общее для середины века ощущение радости жизни, хотя и робко, но уже начинает облекаться в духовное качество» [4] .

И. Аргунов. Т.н. автопортрет (портрет неизвестного архитектора)

И. Аргунов. И.И. Лобанов-Ростовский

И. Аргунов. А.П. Шереметева

И. Аргунов. Калмычка Аннушка

Пьетро Антонио Ротари

Работы иностранцев (россика) в целом отличаются более последовательным следованием стилю. Царившее в Европе в ту эпоху рококо было представлено французами (Луи Токе), немцами (братья Георг Гроот и Иоганн Фридрих Грот, Георг Гаспар Преннер), а также итальянцем Пьетро Ротари.

Он стал популярным благодаря своим «портретам-головкам» — миловидным девушкам в грациозных поворотах и разнообразных костюмах. Ему присущи декоративные качества, естественная грация, которая всегда была заманчивой и часто недоступной для русского художника и зрителя [4] .

П. Ротари. «Девушка с черной маской»

П. Ротари. Портрет архитектора Бартоломео Растрелли

П. Ротари. Портрет В.А. Шереметевой

П. Ротари. Портрет Е.М. Храповицкой

Георг Грот

Грот внес важный вклад в развитие русской живописи, как человек, знакомый с европейской иконографией. Он варьировал ее приемы в императорских портретах. Особенно ему удавались парадные портреты малых форм, утонченные и грациозные («Елизавета Петровна на коне», «Елизавета Петровна в маскарадном домино»). В ряде портретов («В. В. Долгоруков», «А. Н. Демидов») он акцентирует физиогномические свойства персонажей, сообщая произведениям привкус характерности, почти гротескности. В портретах Грота рокайльный портрет — это не просто несерьезная, приятная для глаз забава, его живопись ищет оттенки характера, предвосхищая основную задачу портрета 1760-х годов [4] .

Источник:

http-wikipediya.ru

Русская живопись в городе Киров

В нашем интернет каталоге вы можете найти Русская живопись по разумной цене, сравнить цены, а также изучить прочие предложения в категории Литература на иностранных языках. Ознакомиться с характеристиками, ценами и рецензиями товара. Транспортировка производится в любой город России, например: Киров, Оренбург, Екатеринбург.